He perdido toda mi vida estudiando música y no soy un buen músico. No sirvo para esto.

Ésta es la descripción que hace Federico de lo que le sucede desde hace un tiempo cuando toca delante de gente. Hace más o menos un año terminó el Grado Superior de Música en la especialidad de Fagot, en el Real Conservatorio de Valencia Jose Iturbi. Desde entonces alterna la preparación de oposiciones a diferentes agrupaciones musicales (Orquestas y Bandas Municipales) pues su objetivo es ser músico profesional con actuaciones con su propio grupo de cámara con el que se presenta a concursos por toda España.

Desde siempre Federico ha sido una persona con un carácter muy retraído, pero siempre había conseguido salir airoso de todas las situaciones en las que se tenía que exponer al juicio del público, exámenes, etc. Sin embargo a raíz de una temporada en la cual encadeno varias malas actuaciones en público, su inseguridad a la hora de tocar le ha llevado a bajar su rendimiento a unos límites preocupantes e incluso a plantearse su capacidad y si de verdad su camino profesional se encuentra en el mundo de la música ya que no comprende cómo puede no disfrutar ni sentirse cómodo en la situación para la que tanto se prepara y estudia.El año pasado en el curso de Dirección de Orquesta , con Aldo Ceccato, se demostró su valía, sin embargo, su timidez y exigencia consigo mismo, esto me lleva a identificarme con él , aunque es más joven y sólo se dedica a la música.

Federico siente displacer en el momento de tocar, el concierto se presenta siempre como una situación temida, deseada ya que es el objetivo último de toda su preparación y estudio y no deseada a la vez ya que le resulta fundamentalmente, atemorizante. Federico teme ser evaluado negativamente (“Pensarán que soy un mal músico”; “Pensarán que esta obra la tendría que haber tocado alguien más capacitado”…) y piensa que actuará de forma incorrecta o que hará el ridículo (“Me equivocaré”; “No me sonará bien el instrumento”; “Me temblará el sonido”…). Todo esto va acompañado de sensaciones físicas desagradables y de pensamientos recurrentes negativos que le angustian (sudor; temblor de manos; taquicardia; boca seca, etc.).

Federico, sabe que el concierto es aquello para lo cual él estudia, el objetivo de su estudio diario, y es por ello que una parte suya anhela el concierto; sin embargo a medida que la situación de exposición se transforma en una situación de displacer, comienza ya, no a anhelar sino a temer el concierto próximo y el disfrute queda relegado casi a una utopía.

Soler (2011) indica que, dentro del ambiente musical de un determinado nivel, existe una tendencia excesiva a tener una actitud perfeccionista a la hora de interpretar, alimentada en la mayoría de los casos por una competitividad exagerada con otros músicos. La obsesión por el éxito a toda costa encubre habitualmente el deseo de superar a los demás, de hacerlo mejor que ellos, de alzarse con la victoria en un combate imaginario contra sus competidores.

Quienes no han vivido esta experiencia de displacer en el momento de tocar suelen no comprender el temor que puede producir una futura presentación;el querer aprender pero el miedo a no estar a la altura de nadie, sin embargo, quienes conocen el miedo ante el concierto inminente saben del sufrimiento, las dudas con respecto a su vocación y a sus posibilidades en la profesión y la sensación de impotencia que esto nos provoca. Es así como sentimos que nuestro  esfuerzo es en vano, que su futuro en la carrera es oscuro. Finalmente dudamos hasta del deseo de ser musicos ,por tanto de nuestra vocaciocómo puede ser mi vocación algo que me produce tanto displacer?”.

Muchas veces el músico se siente solo o rodeado de otros músicos que no tienen ese problema (o lo tienen y lo ocultan) o escuchando “sabios consejos” tales como  “No pienses, toca”, “No te preocupes por lo que dice el público”,  “Si estudias más vas a dejar de tener miedo”, entre otros. Lamentablemente por mejor intención que tenga quien dé estos consejos, nunca nos alejan del miedo a la presentación

Lejos de ser un lugar de disfrute, un concierto se transforma entonces en algo que “espero que pase lo más rápido posible”, un mal trago, un lugar en donde “ojalá no se noten todos mis errores”, mientras el público aparece como una sola y casi “divina” voz juzgadora, muchas veces cruel y terminante. Aunque la nota sea excelente, la sensación de fracaso no nos abandona, ya sea en la carrera musical o en lo que deseemos estudiar, o en nuestras profesiones.

“¡Qué lejos está esta idea del deseo que experimentábamos cuando decidimos ser músicos; qué atrás y oculta ha quedado aquella sensación que la música nos transmitía en nuestros comienzos y por la cual decidimos comenzar a estudiar!

¿Cómo y cuándo cambió nuestro objeto de atención? ¿Cuándo nuestra prioridad dejó de ser la música para convertirse en la opinión externa de lo que hacemos?”

A poco que nos esforcemos, nos será fácil llegar a la conclusión de que la interpretación perfecta no existe, por la sencilla razón de que no le es posible al ser humano actuar perfectamente en todo momento y situación.  El perfeccionismo llevado a sus extremos conducirá al músico a la frustración, la decepción y la depresión. Tener una exigencia de acierto pleno puede tener un efecto negativo sobre el disfrute y la buena ejecución del músico. Sería bueno que el músico no se empeñara en realizar una interpretación perfecta siempre si no dejar un pequeño margen a posibles errores y no sentirse por esos errores menos competente, ni menos valioso como persona ni como músico. Una dosis de humildad y aceptar que como seres humanos podemos cometer fallos, estaría en la base de una “vida musical” sana.

Numerosos autores coinciden en señalar que la ansiedad escénica (AE) es un trastorno que afecta a muchos intérpretes musicales, sean aficionados, profesionales, principiantes o artistas de gran prestigio.

Vladimir Horowitz, María Callas, Enrico Caruso, Pau Casals, Ignace Pederewski, Arthur Rubinstein y Sergei Rachmaninoff son algunos de los más grandes intérpretes que la han experimentado.

El gran pianista chileno Claudio Arrau la describió como “ese temor tan intenso en que se desvanecen las notas agudas de los cantantes y toda técnica y maestría  parecen evaporarse”.

Dado el interés que pensamos que puede tener este tema, se publicarán nuevas aportaciones en este blog que irán profundizando en aquellos aspectos más destacados del miedo escénico.

Si he escrito este artículo , reflejandome en Federico , compañero de curso de Dirección de Orquesta, magnifico maestro al fagot, me repetía cada viernes:"Amparo, nunca seré tan bueno como tú", sin saber que mi cuerpo estaba dominado por el pensamiento de no valer para la Dirección, y haber hecho el curso en vano.

Los dos tuvimos excelentes calificaciones y reconocimientos de ALDO CECCATO , pero situaciones personales que nos llevan a querer seguir aprendiendo, a saber más, sin embargo no se va la sensación de no valer y de perder el tiempo.

Este pasaje de ansiedad que cada viernes me corroía, ahora lo veo lejano, tal vez ni me veo en el episodio de mi vida del año pasado.

GRACIAS POR ESTAR. J.G.

EL SINDROME DE ASPERGER Y LA MUSICA

La formación musical realza la capacidad de un individuo de reconocer la emoción en el sonido... Pero no solo esto, sino que, además, la conexión entre las neuronas en el cerebro de los músicos está alterada para reaccionar de esta forma.

 

"Los científicos ya saben que la emoción se transporta menos por el significado lingüístico de una palabra que por la forma en que es comunicada en sonido"...Es que el llanto de un niño gritando "mamá" puede significar diferentes cosas dependiendo de las propiedades acústicas del sonido.

 

El estudio, publicado en el Jornal Europeo de Neurociencias, demuestra que a mayor cantidad de años de experiencia musical que posee el individuo y a más temprana iniciación en sus estudios musicales, más se incremente la habilidad del sistema nervioso de procesar emoción en el sonido.

 

Los investigadores han medido cómo interpreta el cerebro tres correlatos acústicos (tono, tempo y timbre) en músicos y no músicos, para validar científicamente la emoción en el sonido. Los músicos, que han aprendido a dirigir todos sus sentidos a interpretar una pieza musical, se destacaron por presentar sistemas audítivos finamente sintonizados con la emoción.

Este estudio podría demostrar que "los niños con trastornos en el procesamiento del lenguaje se pueden beneficiar de la experiencia musical", en especial aquellos que sufren de trastornos como el autismo o el Síndrome de Asperger.

El Síndrome de Asperger (S.A.) es un tipo relativamente reciente de Trastorno del Desarrollo que también se englobaría dentro del espectro autista. Hans Asperger, pediatra austriaco, en los años 40, fue el primero que describió con exactitud el conjunto de síntomas que caracterizaba a un conjunto de niños que no acaban de cuadrar bien en el diagnostico del autismo clásico (el descrito por Kanner). A partir de 1994, el Síndrome es reconocido como entidad propia por el D.S.M.-4 (Manual estadístico de diagnóstico de Trastornos mentales). Sin embargo, todavía hoy, sigue habiendo un amplio debate teórico sobre si el S.A. puede considerarse un trastorno independiente del Trastorno Autista o si se trata del mismo trastorno en su versión de mayor rendimiento (menor afectación). Además existen ciertas discrepancias entre profesionales de la psicología, psiquiatría y pedagogía acerca de los criterios que se deben incluir/excluir a la hora de efectuar el diagnóstico. Normalmente la diferencia básica reside en la mayor competencia en el desarrollo del lenguaje y las competencias intelectuales que presentan los asperger respecto a los autistas clásicos.

No hay constancia, de momento, de ningún marcador biológico o genético, por lo que su diagnóstico se basa en los comportamientos observados, la historia de desarrollo y el perfil cognitivo del sujeto. Sin embargo, hay evidencias claras de que hay componentes genéticos implicados en el trastorno. Es habitual encontrar antecedentes de trastornos autísticos en familiares directos del sujeto con S.A. Algunos estudios hablan de una incidencia relativamente alta de Depresiones (tanto unipolar como bipolar) en los familiares directos de niños con S.A. De todas formas, no hay nada definitivo al respecto y se precisan más estudios. Se cree que con las nuevas técnicas médicas y en un plazo no muy largo, se pueda comprender cómo se genera este trastorno y qué neurotransmisores y zonas cerebrales están implicadas en la génesis del trastorno. Ello nos permitiría un diagnóstico diferencial y poder trazar un plan de actuación médico, psicológico y educativo más específico.

Parece muy claro, que su incidencia en la población es bastante más frecuente que la del autismo clásico. En cuanto al sexo de los afectados, es en los varones en los que se manifiesta con mayor proporción. Según datos de la Federación Asperger de España la incidencia del S.A. en nuestro país se sitúa de 3 a 7 niños por cada 1.000 (de entre 7 a 16 años). Estos datos suponen que la prevalencia del autismo tipo Asperger es muy superior respecto a la del autismo clásico.

2- Características Generales

Hans Asperger, ya en sus primeras descripciones, hablaba de unos niños con sociabilidad disminuida por su falta de interés por las ideas, sentimientos de otras personas o por el juego de otros niños (niños solitarios, en su mundo, egocéntricos) o con una sociabilidad anómala ya que, cuando entraban dentro de la relación social, lo hacían de una forma que los otros etiquetaban de extraña. Estos niños suelen utilizar un lenguaje pedante, como profesores, con tecnicismos, a veces, con una entonación peculiar, que los hace extremadamente raros, haciendo que parezcan personas mayores. En ocasiones, su lenguaje es acompañado de ideaciones mentales o palabras inventadas, que no se ajustan a la realidad. Al ser preguntados por las mismas suelen tolerar muy mal que se les corrija, contradiga, o que se les interrumpa en su exposición. Ello puede provocar una reacción airada o fuera de tono del niño que simplemente "no comprende que no le comprendan".

Otra característica a destacar es la restricción en sus áreas de interés. Estos intereses son únicos e intensos, de tal forma que dominan totalmente su vida. Las ciencias naturales, números, tecnología, trenes, etc...son algunas áreas de su interés y en los que pueden llegar a ser verdaderos expertos en la materia y aplicar en ella una creatividad inusitada. La memoria puede estar extremadamente desarrollada para áreas específicas de su interés.

Son niños que pueden tener un nivel de inteligencia dentro de la normalidad, incluso superior (en áreas concretas), aunque presentan, a menudo, alguna alteración en el uso del lenguaje.
El problema no está tanto en que no sean capaces de de estructurar un habla aparentemente "correcta" sino en que ésta no se emitirá con intenciones de comunicación recíproca (los criterios diagnósticos para el S.A. en el DSM-IV, excluyen los casos en los que haya un retraso significativo del lenguaje). Se puede dar tanto una dislexia como una hiperlexia.
No entienden el lenguaje metafórico y difícilmente los chistes.
El tono de la voz es plano sin ningún atisbo emocional. Tienen un sentido del humor especial, diferente. A diferencia de los autistas clásicos, los Asperger suelen expresar el deseo de adaptarse socialmente y tener amigos, al menos, desde el momento que empiezan a ir a la escuela. Sin embargo, pronto se suelen sentir profundamente frustrados y desilusionados por sus dificultades sociales. El problema no es tanto una falta de deseo de interacción sino una falta de efectividad para establecer o mantener relaciones. Sencillamente no saben cómo "conectar" socialmente con sus iguales. Pese a todos estas limitaciones, cuando un sujeto con S.A. logra establecer un vinculo de amistad con otro compañero y se siente comprendido, suele mostrarse como un amigo incondicional, fiel y honesto. Sin embargo, difícilmente entenderán que este amigo pueda compartir también la amistad o el tiempo con una tercera persona. Los sujetos con S.A. siempre dicen lo que piensan aunque sea "socialmente inadecuado, incorrecto o inoportuno" y no entienden por qué no debe ser así.

Como ocurre con otros trastornos que cursan con déficits de las habilidades sociales o de la capacidad intelectual, no existen dos niños iguales y cada caso puede presentar peculiaridades específicas, si bien todos ellos presentan desviaciones o anormalidades en estos tres aspectos del desarrollo:

1- Capacidad de desarrollar conexiones y habilidades sociales
2- Uso adecuado del lenguaje con fines comunicativos
3- Características de comportamiento relacionados con rasgos repetitivos o perseverantes, con una limitada gama de intereses.

Gould y el síndrome de Asperger

Si nos adentramos un poco en la psicología, descubriremos que las personas con Síndrome de Asperger, poseen una especie de "ceguera emocional" que las caracteriza.

Me diréis que no es ninguna novedad, a veces, encontramos personas que por mas que se les deja pistas sobre sentimientos y propósitos no los reconocen, pasar de largo sin verlos.

Sin animo de frivolizar, el síndrome de Asperger se puede definir como esa incapacidad del ser humano de reconocer y descifrar el lenguaje emocional, los gestos del otro, las actitudes.En los casos mas severos, no reconocen siquiera una sonrisa y menos la asocian con un estado de felicidad, al igual que no reconocen una lágrima o un gesto complice en otra persona.Son incapaces de leer entre lineas, de ver la complicidad de un guiño, no lo reconocen como lenguaje con significado, sino como mera mueca mecánica.

Algo que les caracteriza es la posibilidad que tienen de poder concentrar un habilidad, convirtiéndose en superdotados de ella. Suelen ser seres ordenados y metódicos.

Amenudo,se les confunde con autismo o con conductas introvertidas, pero pueden llegar a llevar una vida normal.

¿Cuantos nos rodearán sin saberlo?¿Puede esto explicar la conducta de personas que conocemos y parecen totalmente apáticos a las sensaciones que reciben de los demás?

En este contexto de la habilidad portentosa y la genialidad para versionar a Bach, encontramos a Glenn Herbert Gould, pianista canadiense famoso sobre todo por sus virtuosas grabaciones de las obras para teclado de Johann Sebastian Bach.

A nadie dejaba indiferente, excéntrico, maniático, todos coincidían en su genialidad.
Siempre acudía a los conciertos con su abrigo y bufanda y una roída silla de madera.

Murió de una embolia cerebral, y veinte años después de su muerte, exámenes científicos le diagnosticaron el síndrome de Asperger.

Genialidad absoluta, pero incapacidad para reconocer una sonrisa.

 

GRACIAS POR DESCUBRIRME A UN GENIO. GRACIAS POR ESTAR. GRACIAS SIN MAS. J.G.

ALGO MAS SOBRE DIOS

"Lo que ocurre entre mi mano izquierda y mi mano derecha es un asunto privado que no le importa a nadie". Así zanjaba Glenn Gould en 1974 la pregunta del periodista Jonathan Cott sobre la célebre postura que adoptaba frente al piano. Flexionado como un feto en el útero materno, Gould (Toronto, 1932-1982) se sentaba sobre una silla de madera paticorta (construida para él por su padre) que dejaba su nariz a ras del teclado.
Encorvado, siempre ensimismado, canturreando, el pianista canadiense rompió con su excéntrica personalidad las leyes que hasta entonces marcaban la pauta estética -y escénica- de los concertistas. Subía al escenario con el frac arrugado bajo una -o varias- bufandas, abrigo y mitones. Dejaba sus manos a remojo durante veinte minutos antes de tocar y siempre evitaba el contacto físico (a lo Howard Hughes) con extraños. Huía de la fama, de su público, y sólo encontró respiro en las herméticas salas de grabación.
Pero sus salidas de tono, su adicción a las pastillas y su patológica fobia a lo extraño sólo son parte del culto a la personalidad de uno de los pianistas más intensos y brillantes de la historia, un hombre escurridizo y errático, que plantó cara a las tradiciones y cuya versión de Las variaciones Goldberg de Bach (más allá de ser la pieza predilecta de los banquetes de casquería del caníbal Hannibal Lecter) es un hito del siglo XX.
Su muerte prematura, a los 50 años, y su repentina retirada de los escenarios, a los 34, contribuyeron notablemente a agrandar su leyenda. Sobre su retirada, él explicó que tenía que ver con su negativa a entrar en el espíritu competitivo que esconde todo virtuosismo exhibicionista.
Un derrame cerebral, provocado por una infección mal atendida, causó su imprevista muerte días después de su cumpleaños. Los médicos no se alertaron: Gould llevaba años con dolores de cabeza, resfriados y males menores para los que se automedicaba de manera compulsiva. Ya entonces la figura de Gould estaba rodeada de leyendas y desconcierto. Su psiquiatra, Peter Ostwald, explicó que su personalidad, aunque no se podía catalogar, tenía muchos elementos del síndrome de Asperger, una variante del autismo en la que confluyen una sensibilidad extraodinaria para los estímulos sensoriales con actitudes obsesivas en la rutina y una fobia acusada a todo acto social.
Gould tenía entonces 42 años y vivía retirado de la vida pública, sumergido en sus grabaciones de estudio. Todas las conversaciones con Cott se mantuvieron por teléfono (aparato que Gould adoraba) y en ellas se trasluce la erudición del músico, sus manías y sus gustos. "Duermo con la radio puesta. De hecho, desde que dejé el Nembutal soy incapaz de dormir sin la radio", le confiesa en un momento al entrevistador para luego explicarle que no entiende a la gente a la que le molestan los ruidos de fondo: "La radio me permitió superar un bloqueo mental con el Opus 109, de Beethoven. Me resulta imposible entender a la gente a la que le molestan los hilos musicales. Yo me pasaría la vida subiendo y bajando en un ascensor. Por sosa que sea, no me molesta. No discrimino". Escuchando la radio, Gould descubrió a Petula Clark y a los Beatles. Adoraba a la cantante del sur de Inglaterra y le horrorizaba el cuarteto de Liverpool.
Según Kevin Bazzana la leyenda de Gould está llena de exageraciones. Su negativa a estrechar la mano en realidad sólo era con los desconocidos por miedo a alguna fractura (los peores, según llegó a contar Gould a un amigo, eran los jóvenes y los hombres de baja estatura). Lo cierto es que los demonios internos le acechaban desde niño y el rechazo a lo extraño no era una farsa. Gould, que sólo tuvo dos profesores de piano -su madre y el chileno Alfonso Guerrero, a quien dejó el día que consideró que ya no tenía nada más que aprender de él- vivió una vida ermitaña y monacal. "El ego de Gould era tan frágil como resistente", escribe Bazzana. Y su influencia en generaciones posteriores definitiva, añade el biógrafo que citando a otro mito, Herbert von Karajan, concluye: "Su estilo abrió el camino del futuro".

GRACIAS POR ESTAR MIENTRAS HE ESTADO. GRACIAS POR VIVIR Y EXISTIR. J.G.
GRACIAS POR DARME A CONOCER A DIOS EN LAS MANOS DE GLENN GOULD. T.Q.

SARAH CHANG

Sarah Chang (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de diciembre de 1980) es una violinista clásica estadounidense de ascendencia coreana.
Sarah realizó una audición en la Academia Juilliard de Música cuando tenía 6 años, tocando el concierto para violín de Bruch. Fue admitida a la clase de Dorothy DeLay, maestra de violín de algunos de los más grandes violinistas del mundo como Itzhak Perlman, Midori, Gil Shaham, Shlomo Mintz y muchos otros, incluyendo al padre de Chang.
Chang fue reconocida como niña prodigio desde que era muy pequeña, y cuando tenía 8 años tuvo la oportunidad de tocar para nombres tan importantes de la música como Zubin Mehta y Riccardo Muti, quienes trabajaban con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia respectivamente. A los 9 era la violinista más joven en grabar un disco. Jascha Heifetz, otro famoso niño prodigio grabó cuando tenía 11 años.
En una entrevista su maestra afirmó que ninguna persona había visto nunca "algo como ella"
Yehudi Menuhin la llamó "la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que he escuchado".

Discografía

• 1992 Debut
• 1993 Johannes Brahms; Tschaikowsky
• 1996 Édouard Lalo; Vieuxtemps
• 1997 Simply Sarah
• 1998 Jean Sibelius; Mendelsohn-Barholdy
• 1999 Sweet Sorrow
• 2000 Karl Goldmark; Orcesta Gürzenich (James Conlon)
• 2001 Fire and Ice
• 2002 Antonín Dvořák, P. Tschaikowsky
• 2003 Classical Legends (compilación)
• 2004 Sonatas Francesas (Lars Vogt)
• 2004 Ralph Vaughan Williams: Sinfonies; El remontar de la alondra (The Lark Ascending) (Bernard Haitink)
• 2005 Andrew Lloyd Webber: Phantasie/Woman in White
• 2006 Dmitri Shostakóvich
• 2007 Antonio Vivaldi
• 2009 Max Bruch & Johannes Brahms Violin Concertos

GRACIAS POR ESTAR,POR SER MI ACORDE PERFECTO, POR SER MI OCTAVA PREFERIDA, POR SER MI SONATA QUE MEJOR SUENA .GRACIAS J.G&A.M.

LANG LANG

Comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de 3 años con la profesora Zhu Ya-Fen. A los 5 ganó el Concurso de Piano de Shenyang y tocó en su primer recital público. Entró en el Conservatorio Central de Música de Pekín cuando tenía 9 años, estudiando con el profesor Zhao Ping-Guo. A la edad de 11, ganó el primer premio por la actuación artística destacada en el Cuarto Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas en Alemania. En 1995, a los 13 años de edad, tocó completos los 24 Estudios de Chopin en el Pekín Concert Hall y ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Músicos de Tchaikovsky en Japón, donde tocó el Concierto para Piano n.° 2 de Chopin con la Orquesta Filarmónica de Moscú en un concierto retransmitido por la cadena de televisión NHK. A los 14 aparece como solista en el concierto inaugural de la Sinfónica Nacional de China, retransmitido por la cadena CCTV y a la que acudió el presidente Jiang Zemin. Al año siguiente comenzó a estudiar con Gary Graffman en el Instituto Curtis en Filadelfia.
El descubrimiento de Lang Lang llegó en 1999, cuando tenía 17 años, con la dramática sustitución en el último minuto (presentada por Isaac Stern) de un indispuesto André Watts en el Festival "Gala de la Centuria" de Ravinia, en el cual tocó el Concierto para Piano n.° 1 de Tchaikovsky con la Orquesta Sinfónica de Chicago (dirigida por Christoph Eschenbach). The Chicago Tribune le llamó el más grande, más excitante talento del teclado descubierto en muchos años. En 2001 hizo su debut con todas las butacas vendidas en el Carnegie Hall con Yuri Temirkánov, viajando a Pekín con la Orquesta de Filadelfia en una gira que celebraba su centésimo aniversario, durante el cual actuó para una audiencia de 8.000 personas en el Gran Salón del Pueblo, e hizo su aclamado debut en los Conciertos Sinfónicos de la BBC, a lo que la crítica del The Times de Londres escribió: "Lang Lang tuvo un éxito rotundo en el Royal Albert Hall... Esto bien podría ser historia en la actuación." En 2003, volvió a los Conciertos Sinfónicos de la BBC para el concierto de Primera Noche con Leonard Slatkin. Tras su reciente debut en un recital en la Filarmónica de Berlin, el Berliner Zeitung escribió: "Lang Lang es un intérprete espléndido con un detalle artístico que está siempre al servicio de la música."
Lang Lang ha actuado con las principales orquestas del mundo, incluyendo la Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de San Francisco, la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Londres, la Orquesta de París, la Filarmónica de Hong Kong, la Sinfónica de Sydney, la Filarmónica de Israel y la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Ha colaborado con directores que incluyen a Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Valery Gergiev, Mariss Jansons, James Levine, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Simon Rattle, Wolfgang Sawallisch, Yuri Temirkánov, Michael Tilson Thomas y Franz Welser-Möst.
Lang Lang graba en exclusiva para Deutsche Grammophon.
Durante 2007 Lang Lang hace una aparición con Andrea Bocelli celebrando sus 15 años de carrera a partir de 1992 con la canción "Io Ci Saró" y de igual manera en el 2008 sale en el disco de Andrea Vivere Live in Tuscany tocando en el Teatro del Silenzio con las melodias "Io Ci Saró" y " Hungarian Rhapsody", aceptando Andrea que Lang Lang es un pianista incomparable.
En 2007 participa en la grabación de seis pistas en el álbum de Mike Oldfield, Music of the Spheres, que cuenta con la dirección orquestal de Karl Jenkins y que no sería lanzado hasta el primer trimestre de 2008.
El sujeto de una biografía bestseller en China, Lang Lang ha recibido numerosos premios y ha sido visto por millones de telespectadores en todo el mundo. Ha actuado con Gergiev y la Orquesta de Kirov en el Great Hall del Conservatorio de Moscú en una actuación que fue retransmitida por la Televisión Nacional Rusa. Su actuación de 2004 con Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlin en el Waldbühne, a la que asistieron 23.000 personas y que fue retransmitida internacionalmente por televisión. En el verano de 2002, se convirtió en el primer galardonado del Premio Leonard Bernstein en el Festival de Schleswig-Holstein, como reconocimiento a su distinguido talento musical.
Además de su carrera musical, se dedica apasionadamente a compartir música con la gente joven y fue reconocido recientemente por sus esfuerzos por el Fondo de Naciones Unidas para la Infancia, o UNICEF por sus siglas en inglés, que le nombró su embajador.
En junio de 2011, Lang Lang se convirtió en el embajador mundial de la marca Telefónica. Lang Lang y Telefónica desarrollan acciones conjuntas en el ámbito del compromiso social, la educación, la cultura y la tecnología.

GRACIAS POR ESTE NUEVO DESCUBRIMIENTO...SIEMPRE AHI,SIEMPRE CONMIGO, GRACIAS POR SER , Y ESTAR... J.G.&A.M.

EL PIANO COMO TERAPIA

Combatir el estrés o el tedio laboral o personal,o ganar la batalla a una enfermedad,  fijarse metas gratificantes y quizá hacer realidad un lejano objetivo son algunas de las aportaciones que el aprendizaje del piano puede dar a una persona adulta. Y aunque la edad sea un inconveniente, ya que la capacidad de coordinación físico-mental y los reflejos son más lentos, no es un obstáculo que impida acceder al mundo de la música e, incluso, llegar a interpretar piezas míticas como los Nocturnos, de Chopin.
'Creo que es posible aprender', señala Aldo Ceccato, profesor de piano y director de orquesta , quien enseña a alumnos de diversas edades. 'Primero es necesario tener un instrumento propio y, cuanto mejor sea su calidad, más facilidades habrá para el aprendizaje', señala. Además, estima que, aunque la dedicación es un factor clave en el que suelen fallar los adultos, 'no conviene angustiar al alumno', puesto que, si está relajado, aprovechará mejor el estudio. 'Para comenzar 10 o 15 minutos diarios pueden ser suficientes', añade.
Pero también considera que el estudio es más eficaz si al piano se accede con conocimientos de solfeo. 'Es conveniente; si dominas la grafía de los pentagramas, te acercas con más facilidad a las obras musicales', subraya. No obstante, matiza que no es imprescindible. 'Para empezar se pueden aprender canciones sin previamente haber estudiado solfeo, como las melodías conocidas que el oído-cerebro ya las ha asimilado'.
En esa línea se manifiesta Rosi García-Plazas, de Rosimusic. 'En la mayoría de los casos lo que quiere un adulto que empieza, en este caso en el piano, es tocar cuanto antes, y se puede llegar a interpretar una melodía sencilla, pero no se llegaría a más sin estudiar algo de solfeo y, por supuesto, técnicas del piano, como digitaciones o signos de expresión'.
Y señala que, 'aunque el tema sea complejo, sí es posible aprender a tocar el piano siendo adulto'. Este aprendizaje le puede, asimismo, 'abrir los sentidos, la sensibilidad y la capacidad de resolución de problemas'.
Todos los expertos en la enseñanza de música a adultos coinciden en señalar que estos alumnos compensan su menor capacidad para aprender rápidamente con una mayor concentración, motivación y disfrute de la actividad que realizan. Y además dan varios consejos: escuchar previamente las piezas con detenimiento, no ser demasiado perfeccionistas y sí muy pacientes. Después puede llegar la recompensa. 'La música desarrolla los sentidos, los movimientos, las sensaciones, el espíritu, la mente', señala Aldo Ceccato.

Gracias por empezar a sentirme como siempre he sido, a tu lado J.G&A.M.

SINDROME DE DOWN Y LA MUSICA

El 94 por ciento de las personas con síndrome de Down están contentas con su salud y un 89 por ciento también lo están con su cuerpo. Actualmente la esperanza de vida de las personas con síndrome de Down y la sitúa en torno a los 60 años.

El 94’1 por ciento de las personas con síndrome de Down están contentas con su estado de salud, un 87’9 por ciento mantiene un buen estado de salud, un 76’8 por ciento prestan atención a su salud, un 89’5 por ciento están contentos con su cuerpo y un 70 por ciento no se encuentran cansadas. Esta es la radiografía general que se desprende del primer Estudio sobre Salud y Calidad de Vida desde la Discapacidad Intelectual, desarrollado por la Fundación de Educación para la Salud (FUNDADEPS) del Hospital Clínico San Carlos de Madrid, con el apoyo de DOWN España y el patrocinio de la Fundación Sanitas.

Además, destaca que, en general, las personas con síndrome de Down llevan una vida saludable en cuanto al descanso y determinados hábitos alimenticios. Sin embargo, sólo el 59,4% de las personas consultadas han declarado realizar alguna actividad física , y el 2% nacen con un gen hiperdesarrollado para las artes , en este caso me refiero a la música.

Conocemos a maravillosos genios como Noboyuki Tsujii,Savant, y ya entrando en la "mitología musical", tenemos a Glenn Gould, que si no tenía diagnosticado un sindrome de Down si no de Asperger, pero tampoco tenía los medios ni médicos , ni de adaptación social que han tenido estos jovenes que nacen con el único hemisferio cerebral hiperdesarrollado, un 170% más que los que hemos desarrollado estudios en conservatorio con gran esfuerzo.

El hemisferio izquierdo, que tiene que ver con las funciones de: escritura, lógica, razonamiento y música rítmica. Por otra parte, el hemisferio derecho tiene relación con las funciones de intuición, emoción, imaginación, creatividad artística y la música melódica. Se puede decir que un hemisferio piensa y que el otro siente.

El hemisferio izquierdo del cerebro controla el lenguaje y los pensamientos lógicos. A la inversa, el hemisferio derecho del cerebro es el que está involucrado en la creación de imágenes y también en lo que se conoce como inspiración.
Cada hemisferio cerebral tiene un estilo de procesamiento de la información que recibe.

  

Hemisferio Izquierdo

El hemisferio izquierdo procesa la información analítica y secuencial, paso a paso, de forma lógica y lineal. El hemisferio izquierdo es el que analiza, abstrae, cuenta, mide el tiempo, planea procedimientos paso a paso, verbaliza, piensa en palabras y en números; es decir, contiene la capacidad para las matemáticas y para leer y escribir.

En cuanto al ocio y el tiempo libre, el 78’1 por ciento de las personas con síndrome de Down afirman pasar gran parte de su tiempo en las asociaciones en las que están afiliadas. Y, por otra parte, se destaca un alto grado de satisfacción personal y existencial.

En relación a los recursos personales, sociales y asistenciales, materiales, económicos, y educativo-formativos, también hay una satisfacción “alta” por parte de estas personas con respecto a ellos.

Por otra parte, el 95’3 por ciento de las personas con síndrome de Down viven con sus familias, por lo que se encuentran “perfectamente” integradas en el ámbito familiar, al mismo tiempo que destaca una “gran” preocupación sobre la soledad y desamparo por la futura pérdida de sus familiares.

Además, con respecto al ámbito laboral y educativo, también afirman estar satisfechos. Se destaca que más del 50% de las personas con síndrome de Down que han formado parte de este estudio, han concluido sus estudios de la ESO o de PCPI.

Gracias por ser y estar, por ser mi columna vertebral y emocional. J.G.&A.M.

NOBUYUKI TSUJIII....EL GENIO QUE NO VE

Nobuyuki Tsujii (nacido el 13 de septiembre 1988) es una pianista y compositora japonesa. Nobuyuki Tsujii nació ciego, pero estaba dotado de un talento para la música.  A la edad de dos años, comenzó a tocar " Jingle Bell "en un piano de juguete después de que su madre había estado tarareando la melodía.  Comenzó su estudio formal de piano a la edad de cuatro años.  En 1995, a la edad de siete años, Tsujii ganó el primer premio en la música de Japón de Estudiantes Ciegos por la Asociación Hellen Keller de Tokio.  En 1998, a los diez años, debutó con la Orquesta del Siglo, de Osaka.  Dio su primer recital de piano en la sala pequeña de Tokio Suntory Hall a los 12 años. Posteriormente, hizo su debut en el extranjero con actuaciones en los Estados Unidos, Francia y Rusia. En octubre de 2005, llegó a la semifinal y recibió el Premio de la Crítica en el 15 º Concurso Internacional de Piano Federico Chopin en Varsovia, Polonia. 

 En abril de 2007, entró en Tsujii Ueno Gakuen University , graduándose en marzo de 2011.  Tsujii compitió en el 2009 la competencia Van Cliburn Piano Internacional y atado por la medalla de oro . También fue galardonado con el Premio de Beverley Taylor Smith a la mejor interpretación de una obra nueva,  como parte de su actuación en las preliminares.

 Fue uno de los competidores un lugar destacado en la película documental sobre la competencia Van Cliburn, 2009, "Una sorpresa en Texas" , que fue transmitido por primera vez en PBS TV en 2010.  A los 12 años, realizó su propia composición "El rincón de la calle de Viena".  En 2010-2011, compuso el tema musical de una película japonesa  , así como para un drama de televisión japonés.  En junio de 2011, campeón de patinaje artístico japonés Midori Ito a cabo en un evento mundial (Master Elite Oberstdorf 2011)  a la música de "Susurro del río", compuesta por Tsujii cuando él estaba en el instituto para expresar su amor por su padre después de los dos a dar un paseo en el río Kanda en Tokio.  Tsujii es el único responsable y compuso la música para la película japonesa はやぶさ遥かなる帰還El retorno de la Hayabusa " lanzado en febrero de 2012.

El 10 de noviembre de 2011, Nobuyuki Tsujii hizo un recital de debut en la sala principal (Auditorio Isaac Stern) en el Carnegie Hall en Nueva York, como parte del teclado , Nobuyuki Tsujii fue presentado en un original cortometraje "Luces del Japón" se muestra en la Cumbre Mundial de Economía en Davos, Suiza, en enero de 2012.  En la película, él se realizó en un piano de cola restaurado a partir de los estragos de marzo de 2011 tsunami que devastó el Este de Japón. Además, actuó en numerosos conciertos de caridad en nombre de terremoto de Japón y las víctimas del tsunami, incluyendo un concierto de la UNESCO celebrada en París el 11 de marzo de 2012. Van Cliburn es citado haber dicho al diario Fort Worth Star-Telegram : "Era absolutamente milagrosa. Su actuación tenía el poder de un servicio de sanidad. Fue verdaderamente divina".

^]2009 Jurado Concurso Van Cliburn, Richard Dyer, un crítico de música en jefe de The Boston Globe , dijo: "Muy pocas veces cierro mi cuaderno y simplemente me entrego a él, y él hizo que fuera necesario. Yo no quería ser interrumpido en lo que estaba escuchando .  2009 Jurado Concurso Van Cliburn, Michel Béroff , un galardonado pianista de fama internacional, dijo a la revista japonesa mensual de piano de Chopin ,  "Lo especial de su actuación es su sonido. Tiene una profundidad de color y el contraste, la música genuina."

 En el documental "Una sorpresa en Texas", Menahem Pressler , miembro del jurado Cliburn y pianista eminente, dice: "Yo tengo la mayor admiración por (Nobuyuji Tsujii).  Dios ha llevado a sus ojos, pero que le había dado la dotación física y mental de la dotación para abarcar las mayores obras de piano. Para él, a tocar el concierto de Chopin con tanta dulzura dulzura, y la sinceridad, es profundamente conmovedor. I had to keep from crying when I left the room.” Tuve que contener las lágrimas cuando me fui de la habitación. "

 De Scott Cantrell en su revisión de la competición de 2009, Van Cliburn para The Dallas Morning News escribió que "Es casi inimaginable que ha aprendido las puntuaciones tan formidable como Concierto para piano Segundo de Rachmaninoff y la Hammerklavier de Beethoven por el oído ... A través de las tres rondas, jugó con la garantía infalible, y su no forzada, totalmente natural, Chopin E-Menor Concierto para piano era un oasis de belleza ".

 Juan Giordano , director musical y director de orquesta del Corpus Christi Orquesta Sinfónica de quien fue presidente del jurado para el concurso Cliburn, dijo en 2010: "Él es increíble. Hemos cerrado los ojos y es tan fenomenal que es difícil de retener las lágrimas. Nobu jugado el más difícil una hora de duración pieza de Beethoven (Hammerklavier, Sonata no. 29) sin problemas. Para cualquier persona, es extraordinario. Pero para ciegos alguien que aprende de oído, es alucinante ". 
 En una entrevista después de noviembre de 2011 el Carnegie Hall considerando debut de Tsujii, Van Cliburn, dijo en TV Asahi , "¡Qué emoción al escuchar esta brillante, muy talentoso, pianista fabuloso. Se siente la presencia de Dios en la habitación cuando él jugó. Su alma es tan puro. Su música es tan maravillosa, y va hasta el infinito al más alto cielo ".


GRACIAS POR TU NUEVO DESCUBRIMIENTO,POR SER Y ESTAR. J.G.&A.M.

CONFERENCIA MUSICAL

Como el año pasado al final del curso de la Escola Superior d'Estudis Valencians de la RACV, esta conferencia esta dirigida a toda la familia: los abuelos, los padres y los niños.

Esta conferencia será pronunciada por Dª Victoria Savalieva, Agregada Colaboradora de la Sección de Historia del Arte.
Savalieva dedica su intervención a los mejores y más famosos espectáculos de Ballet u Ópera, como "El Cascanueces", "La Cenicienta", "La bella durmiente" y otros cuentos inolvidables, que nos acompañan toda la vida.
La conferencia tiene unan duración de 45-50 minutos, adaptada para todas las edades: para los niños a partir de 6-7 años y para los adultos.
Victoria Savelieva ha estado impartiendo docencia en la Escola Superior d'Estudis Valencians de esta RACV, con una buena respuesta de sus alumnos, los cuales han podido descubir diversos aspectos desconocidos del ballet ruso.
Nacida en 1962, directora de escena. Diploma con matricula de honor de la Escuela de Música. Diploma con matrícula de honor del Instituto Superior de Arte Dramático de Moscú (GITIS-actual Academia de Arte Dramático).
Ha recibido la mejor educación teatral y ha sido alumna de destacados directores de escena A. Efros, A. Vasiliev (descendientes de la legendaria directora de escena y profesora M. Knebel, alumna de K. Stanislavsky). Completando su estudio de educación musical y obteniendo el Diploma con Matricula de Honor en las dos carreras. Su diploma de Directora de escena está homologado en España por el Ministerio de Educación y Ciencia.
Espectáculos dramáticos en los teatros de Moscú: MKHAT-Teatro artístico de Moscú, (“Camarero mudo” de G. Pinter), Teatro “Nikitskiye vorota” (“El precio” de Artur Miller, que asistió al estreno), Teatro dramático A. Pushkin (“Lettice and lovage” de P. Shaffer), Teatro Malaya Bronnaya (“Viajero sin equipaje” de Jean Anouil), entre otros. Invitada por el British Council a Londres para estudiar el Teatro inglés. Invitada al Festival Internacional de Teatro en Avignon. Represento en Munich, los espectáculos del teatro “Et cetera” de Moscú, donde trabajaba. Desarrollo su proyecto teatral en la televisión de Moscú durante el año 2002.
A partir del año 2000 participa en el Curso de Verano de Alto Perfeccionamiento de jóvenes cantantes en Callosa d’en Sarriá (Alicante) junto con E. Obráztsova, Ana María Sánchez y otros profesores. Fue invitada para master clases de arte escénico en la Universidad de las Islas Baleares, Universidad de Valencia, Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia. Ha impartido el curso de Historia de Ballet Ruso en la Escuela Superior de Danza del Instituto de Teatro de Barcelona (2004 y 2005) y de Valencia (2008 y 2009).
Ha impartido conferencias en la Universidad Pompeu Fabra y en el Instituto del Teatro (Escuela Superior del Arte Dramático) de Barcelona sobre la experiencia de la Escuela Teatral de Rusia (2009).
Ha montado la opera “La voz humana” de F. Poulenc según el texto de Jean Cocteau, que fue estrenada en Valencia (Palau de la Música, Instituto Frances), Castellón (Teatro Principal), Toledo (Teatro Rojas), Albacete, Festival de música de Montserrat, etc. y fue representada con mucho éxito en el Instituto Francés de Valencia. Ha montado la ópera “Dido y Eneas” de Purcell (Barcelona, festival de ópera).
En el año 2005 se produjo el estreno mundial del nuevo espectáculo operístico “Las siete palabras” (El hombre de hoy ante la figura de Cristo en la Cruz), siendo el montaje teatral de V. Savelieva y la música del compositor Bernardo Adam Ferrero y estando prevista su representación en diversos escenarios y localidades. En 2008 fue estrenada la ópera olvidada de A. Scarlatti “Gli equivoci nel sembiante”, con apoyo financiero de la “Fundación Casamor” (Barcelona). Idea y dirección de escena – Victoria V. Savelieva.

NUESTRO GLENN GOULD

Glenn Gould Herbert (25 septiembre 1932-4 octubre 1982) fue un pianista canadiense que se convirtió en uno de los pianistas más conocidos y más celebrado de los clásicos del siglo 20. Él era conocido sobre todo como intérprete de la música para teclado de Johann Sebastian Bach. Su forma de tocar se caracteriza por notable dominio técnico y capacidad de articular la textura polifónica de la música de Bach.

Gould rechazó la mayor parte de la literatura pianística romántica estándar y, después de su adolescencia, evitar Liszt, Schumann y Chopin. A pesar de sus grabaciones fueron dominados por Bach, la obra de Gould era diversa, que incluye obras de Beethoven, Mozart, Haydn, Brahms, pre-barrocos compositores como Jan Sweelinck, y tan del siglo 20 compositores como Paul Hindemith y Arnold Schoenberg. Gould era bien conocido por las excentricidades varias de sus interpretaciones musicales y maneras poco ortodoxas en el teclado para los aspectos de su estilo de vida y el comportamiento personal. Él dejó de dar conciertos a la edad de 31 a concentrarse en el estudio de grabación y otros proyectos.
Glenn Gould Herbert nació en la casa en Toronto el 25 de septiembre de 1932, a Russell Herbert ("Bert") de oro y Florencia ("Flora") Emma Oro (Grieg de soltera), [1] de los presbiterianos escoceses y ascendencia Inglés. [2 ] Su abuelo materno era un primo de compositor noruego Edvard Grieg. [3] [4] el apellido de la familia se cambió a Gould de manera informal alrededor de 1939 con el fin de evitar ser confundidos con judíos, dada la prevaleciente antisemitismo de antes de la guerra de Toronto y la Medalla de Oro asociación judía de apellido. [fn 3] Gould no tenía ascendencia judía, [fn 4] aunque a veces hace bromas sobre el tema, al igual que "Cuando la gente me pregunta si yo soy judío, yo siempre les digo que yo era judío durante la guerra ". [5] Gould se crió en un hogar a los 32 Southwood Drive, de Toronto. Su casa de la infancia ha sido nombrado un sitio histórico de la ciudad de Toronto. [6]

 Gould en febrero de 1946 con su perico, Mozart, y su Setter Inglés, Nick (y). [7] [8] el interés de Gould en la música y su talento como pianista se hizo evidente muy temprano. Sus padres eran músicos, y su madre, sobre todo, alienta principios de desarrollo musical del niño Gould. Antes de su nacimiento, su madre planeado para él para convertirse en un músico de éxito, y así lo expuso a la música durante el embarazo. [9] Como un bebé, se informa que tarareaba en lugar de llorar y movió los dedos como si estuviera tocando acordes, lo que lleva a su médico para predecir que iba a "ser un médico o un pianista". [10] A la edad de tres años, el tono perfecto de Gould se dio cuenta. Aprendió a leer música antes de que pudiera leer las palabras. [3] [11] [12] Cuando se presentó con un piano, el joven Gould se informó a la huelga notas simples y escuchar su larga decadencia, una práctica que a su padre Bert observó fue diferente de los niños típicos. [11] Gould interés en el piano procedió al lado del otro con un interés en la composición. Él jugaría sus propias piezas pequeñas para la familia, amigos, y las reuniones a veces grandes, incluyendo, en 1938, una actuación en la Iglesia Presbiteriana Emmanuel (a pocas cuadras de la casa Gould) de una de sus propias composiciones. [13] En el seis años de edad, fue llevado por primera vez para escuchar una actuación musical en directo por un solista famoso. Esto dejó una tremenda impresión. Más tarde describió la experiencia:Fue Hofmann. Fue, creo, su última actuación en Toronto, y fue una sensación increíble. La única cosa que puedo recordar es que, cuando estaba siendo llevado a casa en un coche, yo estaba en ese estado maravilloso de la mitad de vigilia en la que escuchar todo tipo de increíbles sonidos que pasan por tu mente. Eran todos los sonidos de orquesta, pero yo estaba jugando todos ellos, y de repente yo estaba Hofmann. Yo estaba encantado. [3] [14]

 Glenn Gould, con su maestro, Alberto Guerrero, lo que demuestra la idea técnica de Guerrero que Gould debe tirar hacia abajo en las teclas en lugar de golpear desde arriba. La foto fue tomada en 1945 antes de Gould totalmente desarrollado este technique.As un niño de corta edad, Gould fue lecciones de piano con su madre. A la edad de 10, él comenzó a atender el Real Conservatorio Superior de Música de Toronto. Estudió teoría musical con Leo Smith, el órgano con Frederick C. Silvestre, y piano con Alberto Guerrero. [15] Al mismo tiempo, se lesionó la espalda como consecuencia de una caída desde una rampa para botes en la orilla del lago Simcoe . [nota 5] Este incidente es casi seguro que en relación con la silla de altura ajustable que su padre hizo poco después. La madre de Gould insta a los jóvenes Gould para sentarse con la espalda recta en el teclado. [16] Él utilizó esta silla por el resto de su vida y se lo llevó con él en casi todas partes. [3] Esta famosa silla fue diseñada para que Gould podría sentarse muy bajo en el teclado. La silla le permitió tirar hacia abajo en las teclas en lugar de golpear desde arriba, una idea central técnica de su maestro en el Conservatorio, Alberto Guerrero. [17]Gould desarrolló una técnica que le permitió elegir un tempo muy rápido, conservando la separación y la claridad de cada nota. [18] Su posición extremadamente baja en el instrumento sin duda permitirá un mayor control sobre el teclado. Gould demostró gran habilidad técnica en la realización y grabación de un amplio repertorio que incluye obras virtuosas y romántica, como su propio arreglo de La valse de Ravel y transcripciones de Liszt de las sinfonías quinta y sexta de Beethoven. Gould trabajó desde muy joven con su maestro Alberto Guerrero en una técnica conocida como tapping con los dedos:. Un método de formación de los dedos para actuar con mayor independencia del brazo [19]Gould aprobó su examen final en el Conservatorio de piano a la edad de 12 (el logro de los "marcas más altas de cualquier candidato"), por lo tanto la consecución de "prestigio profesional como pianista" a esa edad. [20] Un año más tarde pasó los exámenes teóricos escritos que reúna los requisitos para un diploma de la RCTA.


GRACIAS POR DESCUBRIR UN GENIO QUE NOS UNIO, GRACIAS J.G.&A.M.

ESFUERZO Y TENACIDAD EN LA MUSICA

Las crisis te aportan fortaleza para luchar; la actitud que tomamos cada uno, para afrontar los desafíos es la clave para superarlos; (…) hay que enfrentarse a los problemas en lugar de huir de ellos»
He sabido de personas que han estudiado de manera paralela hasta 3 carreras profesionales, pero son casos más que excepcionales, y de seguro el nivel de exigencia que deben de haber vivido durante esos años superó todos los límites, por lo menos para los que creemos en una vida integral, equilibrando lo académico, personal, familiar, etc...

En todo caso también he sabido de personas que como yo han seguido música junto con alguna carrera de alta exigencia como medicina, pero al momento de entrar en esta última ya llevababamos años de conservatorio, y en esa etapa ya no  requería de tanto tiempo el cursar lo que les quedaba de estudios formales en música; no se si será un  caso ni como funciona después la mente, es perfectamente posible con algo de esfuerzo,ganas, la música es vida y la medicina da vida...

Ahora si lo de música requiere de clases y horarios intensivos, no veo como podía hacerlo de manera profesional; en este caso se me  recomendo mantenerlo como hobby durante tu carrera de medicina, para luego retomar la carrera de música al estar trabajando, buscando alternativas laborales part-time. Me parece que esto último es lo más sano.No soy un genio,ni más que nadie...y si ahora me preguntan, no sabría responder ni cómo lo hice...

La tenacidad, la disciplina en los horarios de estudio, el esfuerzo, la constancia, existen en mi vida desde mi nacimiento, creo que es la fórmula que me ayudó a terminar un doctorado en medicina y una licenciatura en Música y Piano.


Ahora,visto desde arriba, parece lejano, distorsionado,pero sé hasta donde llegué y lo que costó, ahora no sé ni donde estoy , ni hacia donde voy, tal vez porque la práctica de música en mi vida se ha quedado en segundo plano .

El artículo de hoy es bastante personal, visto desde el ático de mi vida...


Gracias J.G. por seguir a mi lado, por ayudarme a subir por las escaleras de mi vida, cuando el ascensor se ha roto y no puedo llegar al ático. Gracias por ser y estar. J.G. &A.M.